Arts plastiques · 5ème · Le corps et l'action : l'art en mouvement · 2e Trimestre

Le corps et la danse : mouvement et expression

Étude de la danse comme forme d'art visuel et performatif, explorant le corps en mouvement comme moyen d'expression.

• Programmes Officiels
• MEN: Cycle 4 - La représentation de l'espace et du temps
• MEN: Cycle 4 - L'expression des émotions

À propos de ce thème

La danse occupe une position singulière dans le paysage artistique : elle est à la fois art visuel, art du temps et art du corps. En 5ème, les élèves explorent comment la chorégraphie utilise l'espace, le rythme et la posture pour créer du sens et transmettre des émotions. Ils découvrent que le corps en mouvement est un médium artistique à part entière, sans recours aux mots.

Ce sujet s'inscrit dans les programmes MEN du Cycle 4 sur la représentation de l'espace et du temps et l'expression des émotions. Il permet d'établir des liens avec des œuvres plastiques qui cherchent à capturer le mouvement dansé : des peintures de Degas aux sculptures de Rodin en passant par les photographies de mouvement contemporaines. Les élèves apprennent à lire une chorégraphie comme ils liraient un tableau.

L'apprentissage actif est particulièrement efficace ici : analyser la danse par le corps propre, en mimant des gestes chorégraphiques ou en traduisant plastiquement un extrait observé, ancre des notions comme le rythme, la dynamique et le phrasé d'une façon que la seule description ne permet pas.

Questions clés

1. Comment le corps en mouvement peut-il raconter une histoire ou exprimer des émotions sans paroles ?
2. Analysez la relation entre la musique, le rythme et le mouvement dans une chorégraphie.
3. Comparez la représentation du corps dans la danse classique à celle de la danse contemporaine.

Objectifs d'apprentissage

• Analyser comment le corps en mouvement, par la posture et la gestuelle, transmet des émotions spécifiques dans une courte séquence chorégraphiée.
• Comparer les caractéristiques formelles (costumes, espace scénique, style de mouvement) de la danse classique et de la danse contemporaine à travers des extraits vidéo.
• Créer une courte composition chorégraphique de 30 secondes qui raconte une émotion ou une idée simple, en utilisant le corps comme unique moyen d'expression.
• Identifier les relations entre des éléments musicaux (tempo, rythme) et les qualités de mouvement (vitesse, fluidité, saccades) dans une pièce dansée.
• Expliquer la fonction expressive de la relation entre le danseur et l'espace scénique dans une performance.

Avant de commencer

Les bases du dessin et de la sculpture : représenter le corps humain

Pourquoi : Les élèves ont déjà exploré la représentation du corps humain en arts visuels, ce qui leur donne une première approche de la forme corporelle.

Introduction au rythme et au son

Pourquoi : Une familiarité avec les notions de rythme et de durée, même dans un contexte musical, aide à comprendre leur application dans le mouvement dansé.

Vocabulaire clé

Chorégraphie	L'art de composer des séquences de mouvements pour le corps, souvent destiné à être dansé. Elle organise le mouvement dans l'espace et le temps.
Mouvement expressif	Utilisation du corps pour communiquer des sentiments, des idées ou des états d'âme, sans recourir à la parole. Il s'agit de la qualité et de la direction du geste.
Espace scénique	L'aire délimitée où se déroule une performance de danse. La manière dont le danseur occupe et interagit avec cet espace est significative.
Rythme	La durée et la succession des mouvements, souvent en relation avec une pulsation musicale ou interne. Il donne une structure temporelle à la danse.
Dynamique	Les qualités d'énergie et de force dans le mouvement, comme la fluidité, la tension, la légèreté ou la lourdeur. Elle colore l'expression corporelle.

Attention à ces idées reçues

Idée reçue courante

La danse contemporaine n'a pas de technique : chacun fait ce qu'il veut.

Ce qu'il faut enseigner à la place

La danse contemporaine possède des techniques très précises : release technique, contact improvisation, méthode Cunningham. La liberté apparente repose sur une maîtrise corporelle rigoureuse. Les vidéos d'explications de chorégraphes permettent de mettre en évidence ce travail invisible.

Idée reçue courante

Une danse sans musique n'est pas vraiment de la danse.

Ce qu'il faut enseigner à la place

Nombreux chorégraphes contemporains travaillent en silence total ou avec des sons non musicaux. Le silence peut intensifier la perception du mouvement et du souffle. L'analyse d'extraits de Trisha Brown ou de Pina Bausch ouvre cette perspective aux élèves de façon très concrète.

Idées d'apprentissage actif

Penser-Partager-Présenter: Le vocabulaire du geste

En binômes, les élèves regardent un extrait de danse de 30 secondes, puis chacun liste cinq adjectifs qui décrivent les gestes observés. Ils comparent leurs listes et cherchent les termes les plus précis avant une mise en commun collective sur le vocabulaire du mouvement.

20 min·Binômes

Cercle de recherche: Traduire la danse en image

En groupes, les élèves regardent un extrait de danse contemporaine et produisent une série de 4 images (dessin ou collage) qui capturent l'essence de la pièce : l'énergie, le rythme, les émotions, le rapport à l'espace. Ils comparent leurs séries et discutent des choix plastiques retenus.

50 min·Petits groupes

Jeu de simulation: La posture photographique

À partir de captures fixes d'une chorégraphie célèbre, les élèves reproduisent les postures du danseur en prenant conscience du poids des bras, de l'axe du corps et de l'équilibre. Ils photographient leurs poses et comparent avec l'original.

30 min·Classe entière

Galerie marchande: Danse classique, danse contemporaine

Des reproductions d'œuvres visuelles liées à la danse (Degas, photographies de butô, ballet contemporain) sont affichées. Les élèves circulent et identifient les indices plastiques qui distinguent les registres : légèreté contre ancrage au sol, costumes, disposition dans l'espace.

25 min·Classe entière

Liens avec le monde réel

• Les chorégraphes, comme Blanca Li ou Mourad Merzouki, conçoivent des spectacles qui explorent le corps en mouvement pour raconter des histoires ou susciter des émotions, se produisant dans des théâtres comme le Théâtre National de Chaillot à Paris.
• Les danseurs professionnels, qu'ils soient issus du ballet classique de l'Opéra de Paris ou de compagnies de danse contemporaine, utilisent leur corps comme un outil d'expression artistique quotidien pour interpréter des rôles et des émotions complexes.
• Les réalisateurs de films d'animation, tels que ceux du studio Pixar, s'inspirent de la physique du mouvement et de l'expressivité corporelle pour donner vie à leurs personnages, en étudiant la manière dont le corps transmet des sentiments.

Idées d'évaluation

Billet de sortie

Distribuez une carte à chaque élève avec une émotion écrite (joie, colère, peur, surprise). Demandez-leur de mimer cette émotion pendant 10 secondes et d'écrire sur la carte une description de 2-3 mouvements clés utilisés pour l'exprimer.

Question de discussion

Montrez un court extrait (1-2 minutes) d'une pièce de danse contemporaine. Posez les questions suivantes : 'Quelle histoire ou quelle émotion le danseur semble-t-il vouloir communiquer ? Quels mouvements spécifiques vous font penser cela ? Comment l'espace est-il utilisé pour renforcer ce message ?'

Vérification rapide

Après avoir étudié la différence entre danse classique et contemporaine, demandez aux élèves de lister sur une feuille deux caractéristiques distinctes pour chaque style, en se concentrant sur le mouvement, le costume et l'utilisation de l'espace.

Questions fréquentes

Qu'est-ce que la danse contemporaine en France ?

La danse contemporaine française émerge dans les années 1970-80, souvent en rupture avec le ballet classique. Des figures comme Maguy Marin ou Jérôme Bel questionnent le corps, la technique et le rapport au public. Les Centres Chorégraphiques Nationaux (CCN) soutiennent cette création sur tout le territoire.

Comment analyser une danse sans formation spécialisée ?

On peut observer les paramètres du mouvement selon la méthode Laban : le poids (léger ou fort), l'espace (direct ou flexible), le temps (soudain ou progressif) et l'élan (libre ou contrôlé). Cette grille simple donne aux élèves un vocabulaire pour décrire avec précision ce qu'ils voient.

Quelle est la différence entre danse classique et danse contemporaine ?

La danse classique suit un vocabulaire codifié (cinq positions, pointes, tutus) qui valorise l'élévation et la grâce. La danse contemporaine questionne ces codes : les pieds peuvent rester au sol, le corps peut tomber, la virtuosité n'est pas le seul critère d'excellence artistique.

Pourquoi analyser la danse en cours d'arts plastiques aide-t-il les élèves à mieux voir ?

La danse mobilise les mêmes outils d'analyse que les arts plastiques : composition dans l'espace, ligne, volume, couleur (costumes), lumière (scénographique). L'apprentissage actif par l'observation analytique et la traduction plastique permet de transférer les outils du regard vers d'autres formes d'art vivant.